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30.4.12

Exclusivo: Haciendo choripanes en Acapulco

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(40 chorizos en la noche acapulqueña)
Era el final de Perspectiva Gráfica y se nos ocurrió a Anabel Vanoni y a mí, los únicos argentinos del evento, agasajar a los mexicanos con una típica choripaneada bien argentina. Pero el problema no radicaba en el problema para conseguir los ingredientes más o menos originales, ni en la falta de los invitados de lujo, que llegaron con puntualidad casi gringa. DSC07960
(El asador peleando contra las llamas, tratando de acelerar la cocción, evitando el arrebato mortal)
La complicación radicaba en la tardanza del parrillero, quien todavía debía terminar su último día de taller, antes de acceder a su mejor clase. El final del taller estaba pactado para los 23, pero las ganas y la potencia del último trabajo nos llevó a extendernos un poco más de media hora. DSC07966
(Comienza la equivocación traicionera de convertir en mariposa el hermoso capullo de cerdo)
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(Irrumpe en el salón de estar de Scarface las bandejas repletas de la mejor mercadería, con el telón de fondo de la Bahía de Acapulco)
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(Algunos festejan con una mano haciendo la v, sin dejar de apretar el chori con criolla, casi para que no vuele)
Todos, desde el poderoso Dr. Morbito (Erick Morales), esposo de la artista plástica Vanoni, y su hija, la gran Selva Azul, pasando por el ilustrador mexicano César Nández y su compañera, Cherry Knox, sin olvidarnos de uno de los referentes del colectivo tipográfico Typeware, Andrei Bengoa, el artista callejero, su santidad Seher One (David Piñon), y el venezolano Alec Méndez, responsable de Picta. Del lado organizativo estaban, también con mucho hambre, Fer Bustamente, Scarlett Alonso Gómez, Erick Atsel, Jessica Sotelo, Ale Alva, Bookman (Aldair Cruz) y su chica, Gabriela Muñoz, el Señor de la casa, Don René Raúl Romero Sandoval, y su hija, Connie Romero, y la coordinadora de la carrera de Diseño Gráfico de la Universidad Loyola del Pacífico, Ana Laura Pavón. Y, por pedido especial del asador, asistieron la responsable de nuestra alimentación diaria, la diosa de la sabiduría culinaria, Minerva Lagunas, y su sobrino José. En resumen: veinte mexicanos (+ un caraqueño), 40 chorizos argentinos, 5 kilos de salsa criolla, bien criolla. Sólo quedó un chorizo que fue desayunado, a la mañana siguiente, por la pequeña de 4 años. Imagen 27
(Selva Azul disfrutando un desayuno nutritivo, con las vitaminas que necesita cualquier niño mexicano)

23.4.12

22.4.12

¿Quién ganó la trigésima edición del Concurso de Caricatura Editorial John Fischetti?







PUES ESTA VEZ, el ganador de la Trigésima Edición del Concurso Nacional fue Nick Anderson del Houston Chronicle, quien ganara el Pulitzer en 2005.

Luego examinar 122 caricaturas editoriales que fueron sometidas, el jurado escogió como ganadora una que presenta una crítica a la situación de embargo inmobiliario por la que continúa atravesando los Estados Unidos. A la vez, se hace mención al movimiento OCCUPY que se inició en setiembre del año pasado en Nueva York, extendiéndose a muchas otras ciudades del país.

La ceremonia de premiación se llevó a cabo el 5 de abril en una recepción donde también se reconoció con el John Fischetti Lifetime Achievement Award al caricaturista, autor e ilustrador Jules Feiffer. La famosa tira cómica "Feiffer" ganó el premio Pulitzer en Caricatura Editorial en 1986 y se publicó por espacio de 42 años en la publicación Village Voice. Las caricaturas de Feiffer han sido publicadas en Los Angeles Times y las revistas The New Yorker, Esquire y The Nation.

La competencia anual Fischetti es organizada por el departamento de periodismo de Columbia College Chicago y fue creada para honrar el legado del caricaturista editorial John Fischetti, quien también ganara un Pulitzer y cuyo trabajo fuera publicado en el New York Herald Tribune, Chicago Sun-Times y el Chicago Daily News.

18.4.12

Exclusivo: Infografreak en México

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Hablar de infografía para estudiantes universitarios es una aventura que no siempre termina bien. Por lo general, los artistas gráficos son pésimos charlistas y el público es muy perceptivo. Seamos sinceros: una charla sobre infografía sólo puede resultar interesante para otros infógrafos. Por más que uno sea un Serra, un Ondarra, un Catalá o un Sicilia, es casi imposible que los jóvenes estudiantes de diseño se muestren interesados en las infos periodísticas.
Si uno tiene en cuenta el lugar que ocupa la infografía en ciertos diarios y el respeto que los que escriben tienen por ellas, mal se puede convencer a los estudiantes para que lo piensen como una salida laboral, y no de emergencia.
Será en la Universidad Loyola del Pacífico, Acapulco, México, los días miércoles 25, jueves 26 y viernes 27 de abril, a las 9, invitados por la Carrera de Diseño Gráfico. Ésta será la segunda vez que El Norbi viaje a México,ya que la vez anterior lo hizo para la Cumbre Mundial de Diseño en Prensa.
Esta vez, la Infografía de autor, esa que él llama cínicamente Infografreak, será el tema. Lo más creativo del periodismo y lo más conceptual del diseño, buscará provocar que los estudiantes presentes en el Auditorio participen activamente con preguntas y discusiones.

9.4.12

Entrevista > Alexis Dedieu-Ourmanov (Lyon, Francia)

CHAPPA


Alexis Dedieu-Ourmanov, editor de L’atelier du tilde. 

¿Es cierto que tenías las valijas hechas para viajar a Rusia y terminaste viniendo a Buenos Aires sin saber exactamente porqué? ¿Una vez aquí has encontrado en tu interior una explicación a ese cambio tan drástico y repentino hacia las antípodas de tu destino inicial?
Eso de Rusia lo digo medio en chiste. Hay preguntas muy comunes para el extranjero en este mundo, y una de las que muchas veces me hicieron era ésta: ¿cómo es que llegaste a la Argentina? Pero es cierto, tenía planeado salir para Moscú, había dedicado cuatro meses en aprender las bases del idioma, y tenía mucha fe en lo que me atraía en ese país. La cuestión es que poco antes de salir, hablé con muchas personas que habían viajado por allá, y me devolvieron la imagen de una nación cuyas asperezas eran tales que no me pareció que valía la pena mantener mis expectativas. Eso me permitió entender también que estaba equivocado, y que buscaba algo que no tenía por qué buscar, en el sentido de que me manejaba con cierta representación romántica de la cultura eslava. Pero todo eso es anecdótico. Al llegar a Buenos Aires, uno tiene ilusiones también. Y después se engancha con la realidad. Es como bajarse de un tren que anda despacio: te parece que medís bien la distancia y la velocidad, pero igual si no saltás bien, mirando enfrente, el impacto te da vuelta. Esta pregunta no tiene tanta importancia. Mucho más la de saber lo que me retiene aquí, y lo que sigo buscando. Me parece. Mientras tanto, siento –hasta físicamente algunas veces, mucho más que intelectualmente– que tengo que seguir un poco aquí por ahora. Me llama la atención alguna energía peculiar del emprendimiento, de cualquier proyecto. Hay mucho desgaste, mucho desperdicio, en el medio de tanto desorden, pero eso es lo que me fascina en todos los niveles. Y al nivel cultural aún más. Siempre uno escucha alguien hacer este tipo de comentario rabioso: con todo eso, se podría hacer algo mejor. Me planteo la pregunta de otra manera, que tiene mucho más que ver con el proceso, y no tanto con el resultado. Digo, también uno puede decir: qué locura que a pasar de todo lo que no se lleva a cabo, trabado y deslizado, salgan tantas cosas hermosas en el arte contemporáneo, en el teatro, en la edición de contenidos, y más que nada microscópicamente en cualquier tipo de espacio compartido en talleres, donde se intenta armar cosas. Creo que la cuestión del juicio sobre todo eso tiene que ver con que depende de si lo miramos desde el punto de vista de la civilización –en el sentido amplio de la palabra, como alguna forma de convivencia que apunta al devenir, a la racionalización de los flujos y de las creaciones– o desde el punto de vista de la vitalidad, donde prima el impulso y el intento.
¿Cómo nació «L’atelier du tilde»?
L’atelier du tilde nació de unas charlas de café de estación de trenes, en nuestro invierno francés, cuando tres amigas de edades distintas coincidieron en que había llegado el momento de emprender algo a nivel editorial. En ese momento yo estaba acá en Buenos Aires. Todos estábamos relacionados y comunicados de manera bastante regular, respecto de un proyecto de traducción colectiva (La Edad de Oro de Martí) al francés. Nos mandábamos los textos por mail. Todos éramos traductores, y también habíamos cursado la carrera de edición de textos literarios y críticos. Una de las chicas es nuestra profesora del Master de edición, ella y yo en ese momento estábamos comprometidos con una revista francesa de humanidades. Esto fue en 2010. Cuando volví de Buenos Aires, me recibieron con los primeros propósitos del proyecto: la idea era editar nosotros mismos la traducción completa de La Edad de Oro al francés, con una edición bien cuidada, respetando el espíritu propio de aquella revista fundada por Martí en Nueva York. Ilustraciones nuevas y originales, un libro bello. Este fue el punto de partida. Luego, compartíamos eso de no estar conformes con la forma que la América hispanohablante se llegaba a conocer en Europa en general y en Francia en particular. Esto es porque se tiende cada vez más a englobar y simplificar las realidades latinoamericanas que, como se sabe, son muy diferentes entre ellas, como si fuesen parte de un conjunto sencillo de representar y entenderse, y cuanto más sencillo que se lo ve desde lejos. En fin, nos parecía por otro lado que hoy por hoy en Francia no hay mucho interés por Latinoamérica, lo cual precisamente es el resultado de esta simplificación en el imaginario de los aspectos y matices literarios y culturales. La editorial ahora cuenta con una docena de libros publicados, algunos armados a mano. Hacemos ediciones bien cuidadas, tanto en el contenido que en el aspecto exterior. Casi todo lo hacemos nosotros. Ahora, yo estoy acá en Argentina para difundir y representar a Latelier, y las tres colegas mías que forman el núcleo duro de Latelier en Lyon están haciendo un trabajo admirable, en el que la ambición de publicar libros bellos tiene que enfrentar, día a día, las dificultades económicas. Traducimos, editamos, cosemos, armamos entre todos los que trabajamos ahí, y mandamos a imprimir. Intentamos desarrollar un espíritu independiente y de intercambio con otros protagonistas del ámbito: bibliotecarios, libreros, impresores, otros editores, escritores, etc. Es importante reconocerse como perteneciendo a una misma cultura editorial, compartiendo valores, y posiciones críticas (lo cual no implica que estemos parecidos, por suerte). A lo que voy: en un contexto actual como el que estamos viviendo en Francia a nivel de concentración editorial y agrupación de grandes intereses privados, es importante identificar actores con los que interactuar en forma de red, ya que la dinámica individual no sirve: en los años sesenta, setenta, era posible alquilar un local, recibir amigos, vender libros ahí, empezar a editar otros, en fin, armar todo un rinconcito en el que se podía seguir creciendo sin molestar a nadie y que nadie moleste. Esto ya no se puede, de ahí la importancia de mirar para el lado del vecino, y concertar acciones de conjunto.
También estás editando y coordinando una revista de crónicas digitales sobre el Río de la Plata en francés y español, ¿Cómo es eso de la crónica?
Efectivamente, más allá de mi trabajo de colaborador editorial en Francia con «L’atelier du tilde», y de mi trabajo de investigación doctoral, estoy intentando impulsar esta revista, digital por ahora, llamada «Esquina Corrientes». Es una revista «nómade», y una revista «del andar», que se ubica entre diferentes puertos (ahora el triángulo Montevideo-Buenos Aires-París). Tal vez tenga como modelo esa «fantasía» de algún retorno al ritmo intenso de intercambios fructíferos que los franceses tuvimos con los argentinos en los años de entre y posguerra. Excepto que esta revista no es estrictamente literaria, sino cultural (Arte, Cultura, Sociedad) y tiene como formato privilegiado la crónica. Cuando hablo de «crónicas» la gente piensa inmediatamente en el diario. No es que no sea halagador, pero no es exactamente así.

¿Qué entendés exactamente por «crónica»?

La crónica busca ubicarse a un nivel intermedio entre la nota periodística, el artículo científico y el relato de viaje. Mejor dicho, no es nada de todo eso. Estamos en un contexto disciplinario en el que las etiquetas importan más que el contenido, y los modos de acercamiento no tienen que mezclarse sino distinguirse y rechazarse mutuamente (separemos lo antropológico de lo sociológico y de lo filosófico bajo crimen de falta de rigor o de diletantismo, nos están gritando). Por el contrario, la crónica quiere asumir su esencia transdisciplinaria, y lejos de la tiranía de una objetividad –por la que cuanto más la nombremos menos se logra– reivindica una forma subjetiva, estilística, personal, crítica de dar cuenta de uno o de varios aspectos culturales, artísticos, literarios, sociales, etc. El periodismo contemporáneo alcanzó ese tremendo nivel de inconsistencia, de carencia de análisis y/o de estilo literario por someterse al cánon vacío de la objetividad de la información. Una ilusión total. Si uno lee un ejemplar de Le Monde de hace treinta años, percibirá la profundidad literaria de algunas notas de la época. Una mirada, una perspectiva donde se mezclan ideas, sensibilidades, análisis y estilo. Es inimaginable pensar que hoy podríamos publicar –al menos de aquel lado del océano– cosas parecidas en la prensa. Recién ahora algunos intentos nuevos por el lado de algunas revistas impresas como Revue xxi (o más relativamente Tango) intentan reencontrar esa libertad del recorrido «porque sí». 

¿Qué relación tiene este significado de la crítica con la crónica?

Creo que la crítica existe cada vez menos. Simplemente desapareció. Digo, una crítica que no sea meramente un debate de opiniones. La crítica es un comentario, una recreación, si no se entiende así se ahoga. Ya no me interesa preocuparme del problema de la información. Los que siguen creyendo en la información tradicional pueden agarrar un diario gratis, al salir de la boca del subte. Son trapos llenos de basura. Creo que hay gente que anhela tal vez cosas más personales. Descripciones en donde se pueda cambiar la información para el retrato, la pintura, el impresionismo. Ocuparse de problemas tales como: ¿es acertada mi descripción? ¿habré logrado acercarme a esa realidad? ¿Se sienten algunas cosas?

¿Se puede colaborar allí?

Sí. Ante todo es un espacio para construir, un «modelo para armar» como decía Cortázar. Entonces por supuesto que está abierto para recibir colaboraciones de distinta índole. Va de a poco. No sé todavía cómo va a evolucionar. Lo que importa es juntar a la gente voluntaria primero, y luego decidirlo entre todos. Es un proyecto que tiene que ser grupal y plural, de lo contrario deja de ser interesante. Con argentinos, con latinoamericanos, pero también con europeos. Artistas, diseñadores gráficos o web, intelectuales, escritores, o periodistas corruptos (insatisfechos) están más que bienvenidos. Se puede proponer contenidos de manera espontánea, o a través de convocatorias. Por ejemplo, tenía ganas, para el primer número impreso de la revista, de lanzar una convocatoria grande sobre la temática: «Hugo Pratt/Oesterheld: miradas cruzadas». Una especie de homenaje articulando interpretaciones contemporáneas de la obra y del recorrido de dos grandes guionistas y dibujantes. Artículos, notas, evocaciones, contribuciones gráficas o pictóricas, prosa, etc. en un gran dossier que destaque las singularidades y lo que tienen en común los dos artistas. Además encaja perfectamente la temática con el espíritu transfronterizo de la revista.

¿Por qué es tan presente el recorrido en la revista?

La revista tiene un anclaje urbanístico. Nació de tres «estudios sentimentales» en los que, luego de mis lecturas de Ezequiel Martínez Estrada, quise acercarme al devenir de eso que seguía experimentando como peatón (aunque muchas veces perturbado) y a la vez como extranjero, cuestionando las formas de circular, y más que nada cómo se van intrincando algunas mitologías urbanas o imaginarios colectivos con la forma de usar la ciudad. Por lo tanto, la crónica está siempre inserta en el andar perpetuo, el flujo, o el movimiento. Instante fotográfico, más o menos borroso, en una trayectoria personal. 

Ya subí un par de artículos y notas (de crónicas) que escribimos otra gente y yo. Hasta ahora, la revista está dividida en secciones tales como Estudios sentimentales (la esencia de la crónica subjetiva digamos), Andanzas (reseñas o textos escritos para muestras o exposiciones), Retratos de personajes o de lugares, Resonancias para todo lo artístico, Ensayos para asuntos más políticos o más sociales, Postales para crónicas sobre cosas que pasan en el interior... y Composiciones para obras propias, cuentos o poemas y fragmentos.



¿Y cómo se articulan los otros medios con el texto?

También pueden haber crónicas de otro formato que textual: fotográficas, audio, video-gráficas o multisoporte. Todavía no está bien desarrollada la cosa. Pero la hibridez es un asunto que me interesa y hay que seguir investigando y cuestionando. Acabo de recibir trabajos de una fotógrafa que estaría interesada. Podría publicarlos adjuntando un texto sobre las fotos. Lo mismo puede pasar con la técnica del collage. Ahora desde febrero estamos publicando una serie de crónicas sobre el trabajo de una artista francesa viviendo en Buenos Aires. Consiste en un recorrido a lo largo de un año, a través de proyectos de instalaciones o de esculturas reales o ficticias, las «noticias porteñas».

¿Por qué una revista «transfronteriza»?

La revista apunta ser plurilingüe y transfronteriza. Plurilingüe, porque si se puede leer en español, también está dirigida al exterior, y a Francia más que nada. Salir de los canales comunes que filtran la realidad latinoamericana (rioplatense en este caso): de los programas, de los convenios y de la dinámica unilateral de los intercambios. Como en cualquier tipo de relación fantaseada por ambos lados, se sostiene con mucho malentendido. El espejo halaga a veces, pero es deforme. Me entero de este malentendido, primero cuando estoy acá en el hemisferio sur. Segundo, a las pocas horas de aterrizar nuevamente en Francia. Las expectativas y las representaciones, una vez desmentidas, decepcionan. Me encanta que una mujer mayor –mientras estoy haciendo cola en la Fundación Proa– me diga «Pero vos no tenés cara de francés», en este país donde se mezclaron tantos latinos, eslavos, íberos, germanos, celtas, nativos, etc. Es como si yo dijera allá: «pero vos no tenés cara de argentina». Un absurdo.

¿El tópico ayuda a comprender superficialmente pero empobrece lo real a la hora de explicar y explicarnos a los demás?
Algo así. Digamos que entonces hay que seguir vendiendo sueño, de igual modo que vendo sueño a mi vuelta, cuando me preguntan por lo que pasa acá. Quizás sea una de las razones por las que nunca entendí qué iban a buscar en una ciudad capital en la que todo el mundo está convencido que sigue siendo el centro del mundo, y en la que ya nadie anda por las calles pasada la una de la madrugada. Hablo de París, claro. Parece loco que la época de mayor equilibrio en los intercambios, desde ambos lados, haya sido la década de los años treinta, mientras que existen ahora un montón de programas institucionales para apoyarlos. El tema es que en ese entonces, la colaboración era primero de persona a persona, intelectual, espiritual, luego venía la colaboración institucional. Ahora la colaboración intelectual no es nada sin la institucional.
¿Qué lugar ocupa la revista en relación con un blog común?
Creo que primero hay algo respecto de la forma de interactuar. En la revista, por ahora, elegimos cerrar los comentarios y privilegiar las formas más acabadas de expresión. Pero no es algo definitivo y definido de manera rígida. Luego, en un blog la comunicación suele hacerse desde uno hacia varios, que son los que leen y comentan. En cambio con la revista, la comunicación sería más bien desde los varios hacia uno. El tema de los blogs es valioso e interesante, pero son iniciativas que quedan solitarias, sólo la aprovechan una pequeña cantidad de gente en torno a uno. En cambio la idea es proponer algo que junte varias iniciativas y a lo que se pueda sumar gente de horizontes distintos. Armar una comunidad de lectores y colaboradores, compartiendo intereses y miradas. Incluso los blogs de cada uno pueden converger hacia Esquina, para mejorar la visibilidad de éstos. La red estás llena de cosas que se van multiplicando y sólo una parte de ellas crece en visibilidad. Me parece que hay que fusionar, juntar o agregar (respetando diferencias, por supuesto) en vez de separar, fragmentar y ser redundante en sus rinconcitos. De ahí también la idea de armar ese triángulo: por ahora sólo se me había ocurrido impulsar eso para Buenos Aires. Pero me parece una lástima que no exista nada semejante que incluya Montevideo.
¿Qué es exactamente Lettre Internationale?
La dimensión en forma de red, o de comunidad con la que Esquina apuntaría funcionar en lo ideal está inspirada en el proyecto de revista de Antonin Liehm, que se creó en los años ochenta en pos de la caída del Muro de Berlín. Él creó desde República Checa una red de revistas bajo el nombre de Lettre Internationale, que se expandió en varios países soviéticos, compartiendo el mismo nombre y diseño, pero manejándose con contenidos propios. Ahora, la federación de revistas digitales Eurozine, con base en Viena, incluye a 80 revistas culturales europeas, desde las turcas hasta las irlandeses pasando por las bielorrusas o las húngaras. Esta federación es la ligazón entre todas estas revistas, ya que todas le mandan sus mejores contenidos con el fin de que los traduzca al inglés, de tal forma que una revista turca pueda recibir los contenidos de su homóloga eslovena, y viceversa. Estos son los modelos de referencia de Esquina, porque son los modelos que vi funcionar en mis años de formación junto al mundo de las revistas culturales: implican la red transfronteriza. Sin embargo, las temáticas y los contenidos son diferentes, y se trataba de revistas impresas.


Estás escribiendo tu «Tesis de Doctorado» sobre la historia de la ciudad de Buenos Aires a fines del siglo xxi, ¿qué te llamó la atención al estudiar el pasado de esta ciudad? 

Son varias cosas. Primero esta dicotomía entre una mirada para afuera, y por otro lado un encierro entre el interior y el puerto. Entre la Pampa y el río. Que Buenos Aires, como ciudad capital, haya crecido chupando el resto del territorio, pero manteniéndose a la vez en una posición marginal, dándole la espalda a eso mismo más allá de lo cual alzaba la mirada (El río, el océano y Europa), eso es muy llamativo. Luego, la manera con la que creció la ciudad: a nivel institucional y político, partida entre la imitación de modelos referentes y el anhelo por una originalidad propia. A nivel urbanístico, partida entre un esfuerzo perpetuo de planificación y diseño institucional, y la tentación de ceder a los intereses especulativos y económicos particulares. Una relación cuyo reflejo se nota en la misma cuadrícula, por su heterogeneidad, y su desprolijidad –hay que leer el buen libro de Adrián Gorelik, La grilla y el parque. Fue demasiado rápido. El trazado de la ciudad ya estaba definitivamente definido en 1889. Todo lo que vino luego tuvo que lidiar con las pautas ya existentes, y ahí empezó la ciudad «vertical», según el término de P. H. Randle. De hecho, me gusta eso de que la ciudad trasluzca de manera diferente según la miremos de perfil (la diversidad de fachadas), en diagonal (el interior y el «cuerpo» de las manzanas), o desde arriba (los techos de alturas diferentes con las terrazas). Que coexistan un edificio del estilo ecléctico de principios del siglo xx y, al lado, un edificio modernista o funcionalista de los años cuarenta es algo increíble. Enterarse de que antes de tal edificio de cúpulas estaba una casona es algo que sobrepasa: da cuenta de que las capas temporales siguen compartiendo el espacio de manera simultánea y desordenada. Hay que ver luego en qué medida el desorden urbanístico influye en los modos de circulación y los hábitos de los ciudadanos.


+ Info
Alexis Dedieu-Ourmanov: alexei.ourmanov@wanadoo.fr.
Revista Esquina Corrientes: corrientes.esquina@gmail.com.
Revista Esquina Corrientes en Facebook: «Esquina Corrientes».
Editorial L’atelier du tildehttp://www.atelier-du-tilde.org/. 


Entrevista: Julián Chappa

6.4.12

Urgente: Se agotan los stickers de Type Donalds

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(El logo y el concepto de TypeDonald´s es una creación de El Norbi Baruch)
Es verdad. Todavía no han salido de la imprenta y ya los pedidos est;an casi agotando la tirada. Porque la gente los quería tener, para pegar por todos lados. Esta especie de intervención urbana que proponen los creadores de stickers suma un motivo visual nuevo. Son los stickers que hicimos a partir del logo que inventamos para nuestras charlas sobre el mal uso que hacían propios y extraños de la tipografía. Hablamos sobre ello en Perú, Chile, Venezuela, Paraguay, Brasil, Uruguay y Colombia. Después nos animamos e hicimos un paralelismo entre los usos de la tipografía y la comida chatarra.
"Muchas veces, los diseñadores no saben entender lo que quieren decir las tipografías, ni para que sirven, y terminan haciendo un Big Mac, mezclando aros de cebolla sin serif en medio de un relato más serio que necesita otro tipo de font". Si querés dejar de tragar tipografía chatarra, no vayas a TypeDonald´s.
Corré, corré y reservá alguno de los últimos stickers que quedan de Type Donalds que se agota. Es gratis.

4.4.12

Exclusivo: Hablamos con el creador de la botella 140 Aniversario de Heineken

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Para festejar su 140 Aniversario, la cerveza preferida de El Norbi no ha tenido mejor idea que organizar un concurso internacional para diseñar la botella del festejo. Es que Heineken se ha cansado de su color fetiche y ha buscado cambiar como el nuevo mundo donde se mueve, demasiado verde. Eso si, lo que la marca no ha dejado de lado ha sido su emblema rojo.
El diseño ganador, los que aparecen arriba, aparecerá en diciembre, en el frente y dorso, en una edición global de 1 millón de botellas.
Evan Orensten, Cofundador de Cool Hunting; Mark Dytham, Cofundador de la red creativa mundial PechaKucha y Mark van Iterson, Director Global de Diseño de Heineken®, fueron los miembros del jurado que calificó los trabajos y seleccionó a la pareja triunfadora. Porque el concurso tuvo esta dinámica novedosa. En diciembre de 2011 Heineken había lanzado, a través de su página oficial en Facebook, la convocatoria para que diseñadores de todo el mundo se reunieran en parejas para crear su botella conmemorativa. Así diseñadores desconocidos entre sí, alrededor del mundo, se conectaron digitalmente y enviaron sus propuestas. Entre ellas, se seleccionaron a tres finalistas que presentaron sus diseños, mediante una conferencia virtual.
El mexicano Rodolfo Kusulas, de Zacatecas, México, se unió al australiano Lee Dunford, y sus propuestas fueron parte de las 30.000 presentadas de 100 países en los cinco continentes.
La de Kusulas, que aparecerá en la parte frontal de la botella que se utilizará en la edición conmemorativa de los 140 Años, tiene a la tradicional estrella roja, ícono de la marca, integrada por los cinco continentes. Y como nos gustó, y nos pareció bastante conceptual, acabamos de entrevistarlo, en exclusiva para Visualmente.

3.4.12

Exclusivo: Te presentamos a Samuel Araya

SelfPortrait with vellum
Te presentamos al artista paraguayo Samuel Araya, quien dará un taller de ilustración en la Universidad Católica de Asunción, Paraguay. Hablamos con él, en exclusiva para Chillart.
1. Vos trabajás con un programa de dibujo vectorial o hacés bocetos previos en lápiz?
Trabajo casi siempre solo con Adobe phothoshop. Los estudios de composición los hago a lápiz, aunque ahora empecé a experimentar con acuarelas y temperas. Las texturas suelo hacerlas con acrílicos, gesso y óleos.
japanese pencil
japanese pencil 2
2. Cómo nace la serie A tale of Japanese pencils?
Nace como un aviso de divorcio con respecto al arte digital. Si bien todavía falta mucho para esto, espero hacer una transición total del arte digital a medios mas tradicionales. También es mi oportunidad de experimentar y explorar mis propios conceptos, lejos de un entorno comercial. Con el paso de los años, estoy aprendiendo a apreciar mas y mas los errores y casualidades que se producen en una pieza gráfica, los cuales son prácticamente imposibles de producir usando exclusivamente un programa de dibujo.

Otra motivación era resucitar mi tan abandonado habito de bocetar, tener un cuaderno de dibujo donde pueda cometer errores estrepitosos y celebrarlos ha sido una de las mejores cosas que me ha pasado últimamente.

El titulo es la traducción literal de un chiste del colegio. Si, todavía me da un ataque de risa cuando voy a un lugar a pedir pinceles de "Pelo de Marta".
joyces
3. Cuánto tiempo te llevó hacer, por ejemplo, Joyce's Enemies? Cómo trabajaste?
Joyce Enemies me llevo 2 horas, el proceso de concepto y de localizar un piano por supuesto fue mas extenso. De la nada me contacto una banda llamada "Joyce´s Enemies", o sea, los enemigos de James Joyce, del dialogo interno y de la reflexión, hay bastante ironía en que una banda se proclame en contra de la reflexión y venga con un concepto bastante elaborado, y esto es adrede. Hable con ellos sobre la historia de John Cage (no el de Mortal Kombat) y su famosa pieza de piano que consiste en 5 minutos de total silencio y de la sinergia con respecto a su "no-concepto". Y claro, había que texturizar la obra, porque no me gustan las cosas limpias y prolijas.

4. Dónde encontrás la inspiración para hacer estas obras?
Principalmente en la lectura, soy muy monotematico, solo suelo leer terror ( Mis escritores favoritos del genero: H.P. Lovecraft y Thomas Ligotti) , un poco de fantasía y un poco de historia del arte, el resto de los géneros literarios me importa poco o nada. La otra gigante inspiración son mis experiencias, mis decisiones acertadas o equivocadas, realmente eso es algo que me cuesta admitir en publico, porque suena un poco arrogante, pero bueno, es lo que hay. Visualmente me gusta absolutamente todos los géneros del arte, excepto cualquier cosa que tenga un discurso social y político, aunque hay excepciones. Mis mas grandes influencias visuales son los pintores Simbolistas, H.R. Giger, Makoto Kobayashi, Jan Saudek, Zdislav Beksinski, Mike Mignola, Joao Ruas y la lista sigue y sigue.
Araya -  Fenrir
5. Cuáles son tus influencias? Cuáles fueron tus maestros?
Me adelante a contestar un poco sobre esto mas arriba, pero actualmente mis grandes maestros son mis profesores en www.Theartdepartment.org , la filosofía de esta escuela de arte realmente esta teniendo un profundo impacto en mi obra. The Art department pone un énfasis en la exploración personal y técnica de cualquiera sea la disciplina gráfica donde te desempeñes, sin mencionar como me están metiendo a golpes el conocimiento de anatomía humana que tanto me hacia falta!

6. Contanos un poco cómo será el taller que vas a hacer en la Católica?
El taller de ilustración digital se concentrara en enseñarle al alumno técnicas básicas de pintura, principalmente como organizar su proceso de dibujo, aplicaremos técnicas tradicionales de pintado en el entorno digital, también tengo planeado mostrar algunas técnicas experimentales, como integrar fotografía a la ilustración y otras herramientas que ayuden a desarrollar una sensibilidad al arte digital. Todo esto se dará acompañado de maneras de encarar el oficio de la ilustración y el arte para producción.

Algunos temas que trataremos serán Ilustración Editorial, Ilustración de material promocional y creación de personajes. Estoy muy entusiasmado, porque creo que tengo algo diferente que enseñar a los alumnos, y espero de ellos la máxima dedicación.

2.4.12

Último momento: Te presentamos Mongolia

Maquetación 1
Cuando uno lo escucha, se sorprende. A pesar de la distancia, uno que es sudaca y vivió una historia parecida, no puede entender que la solución sea un ajuste que deje en la calle a más de la mitad de los jóvenes españoles (el 50,5%). Pero el Presidente del Gobierno, Mariano Rajoy, que acaba de cumplir sus primeros 100 días gobernando, no termina de sorprender con sus declaraciones. "Hemos tratado de ser justos a la hora de repartir los esfuerzos", han titulado los diarios españoles más grandes hoy, como resumen de la presentación que hizo Rajoy ante el Comité Ejecutivo Nacional del PP, su partido.
La situación de la prensa escrita en España se está pareciendo mucho a lo que pasaba en Buenos Aires durante la dictadura militar, como te mostramos el 24 de marzo.. Estos diarios justificaban lo injustificable en lugar de denunciar lo que pasaba.
"La censura en los medios de comunicación españoles suele ser en la mayoría de los casos autocensura. En nuestro país, cuando un medio decide no tratar determinados temas lo más normal es que esa decisión responda a que intereses económicos de los grupos empresariales aconsejan no tocar determinados temas". El que habla ahora es el periodista español Eduardo Bravo, uno de los responsables de la nueva revista Mongolia. Esta publicación, que fue presentada en sociedad el sábado pasado, reconoce como influencias El Jueves, nuestra Barcelona, y la chilena The Clinic. Por eso, mañana te presentamos la revista Mongolia, a través de un reportaje exclusivo de Visualmente.

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