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27.9.10

«United Kingdom»

CHAPPA


«God Save the Queen»
¿Para la izquierda te parece que tenemos que (volver a) ir, amor mío?

21.9.10

Google juega con nuestras almas inocentes – y con unas bolitas también



Cómo cada día, al llegar al trabajo empiezo a buscar cosas al azar en Google para hacer más leve el impacto de enfrentarme a la inevitable realidad de las cosas por hacer. Cuando la blanca pantalla me saludó, había algo diferente en el logo del buscador, no eran esos estúpidos doodles con dibujos altamente forzados de otras veces.

Esta vez habían un montón de pelotitas que amontonadas formaban la palabra "Google" y desaparecían al acercar el mouse. Me llamó mucho la atención que cómo otras veces no hiciera referencia a un hecho puntual, era más bien misterioso e indescifrable.

Una de las ventajas de vivir en Europa es que puedo contrastar rápidamente mi realidad con la de, por ejemplo, mi familia a miles de kilómetros de mí. Dicho esto empecé a mandar correos como un loco -y una vez más, postergando mi trabajo- para ver si en Argentina también estaba pasando esto.

Dejé caer al suelo mi sombrero para manifestar mi sorpresa ante tal magnánimo misterio: En Argentina no se veía esto mismo, pero después de estar un rato, cruzando correos transatlánticos y elaborando las más intrincadas e infundadas conjeturas nos dimos cuenta de que incluso en otros países de Europa no se veía este efecto en la página del buscador; en unos sí, en otros no, siguiendo un criterio tan difícil de explicar como el que sigo para combinar mi ropa por las mañanas.

Después de quedarme inclinando mi silla, fumando con pipa y en postura reflexiva -ante la mirada de mi jefe de 'acá no se reclina, no se reflexiona y no se pipa'- me sentí ligeramente manipulado y sucio por la capacidad que tiene este buscador para presentar diferentes realidades, algo tan simple como un logo que cambia de forma sin que otros países puedan contemplar este mismo misterio.

La falsa globalización deja mucho que desear si esta no es una sola y mundial, si no que puede ser controlada y determinada por una superpotencia internetística que nos dice quienes pueden ver y no ver tal cosa. ¿Será así con muchas otras cosas, también? ¿Cómo sabremos que será cierto si mañana presenta una noticia, sólo en algún país, sobre la escasez mundial de jabón de lavanda?

La verdad es que no sé. Pero mejor será no arriesgarse, y salir a comprar jabones hasta que mi casa huela a un inmenso jardín florido.



20.9.10

«Royal Dutch Hell»

CHAPPA


Royal Dutch Hell · Rediseño de marca 2010, apelando a los
valores históricos más profundos de una empresa pionera
.

Hell fue un verdadero pionero en Latinoamérica. Un modelo a seguir. Por eso, aprovechando nuestro relanzamiento en este bendito subcontinente, queremos recordar los hitos que marcaron nuestro aporte al progreso de estos confines del mundo a los que hemos ayudado depositando nuestra confianza e invirtiendo para generar desarrollo y bienestar. 

En 2009, la revista Fortune nos clasificó como la empresa con mayor cash flow del mundo. ¿Cómo lo logramos? Estamos orgullosos de que Latinoamérica haya participado en el cumplimiento de ese ansiado objetivo. Aquí una breve reseña de los hitos que marcaron nuestra andadura en el Coño Sur:

1. Argentina

15 de enero de 1999, para despedir el milenio, quisimos hacer algo realmente grande. Lo logramos con creces, de hecho no hemos podido superarlo hasta hoy: un tórrido día de enero de 1999, en Magdalena (provincia de Buenos Aires) un barco de Hell derramó petróleo en el Río de la Plata, contaminando napas de agua dulce, flora y fauna.

¿Fue grande el derrame? Somos el líder mundial en lubricantes, teníamos que estar a la altura de nuestra reputación: está considerado el mayor en la historia mundial de derrames de petróleo en agua dulce (se virtieron 5.400.000 de litros de petróleo, litro más, litro menos). No está mal, tratándose del río más ancho del mundo. Nuestros técnicos todavía hacen números para indemnizar a los millones de damnificados. Son muchos ceros.

¿Cómo quedó todo? Así lo relata una nota aparecida en Clarín el 1º de junio de 2010: http://www.clarin.com/sociedad/medio_ambiente/Magdalena-cobro-desastre-ambiental-petroleo_0_272372832.html

2. Perú
En la década de 1980 hicimos exploraciones petrolíferas en Perú, en una zona aislada de selva virgen, habitada por pueblos originarios que vivían en armonía con la naturaleza, sin contacto con la civilización moderna. 

Quisimos incluir a esos pobres desgraciados en la modernidad e hicimos caminos para acceder a la zona. Los indios no comprendieron nuestro mensaje. Más de la mitad de la población total de esa comunidad murió por epidemias al contactar con el progreso que les ofrecimos y no quisieron ver. La industria maderera, rápida de reflejos, mientras tanto arrasó con la zona.


Sin embargo, y sin menoscabar a las demás naciones hermanas, nuestro hijo dilecto y mayor orgullo es Bolivia. Allí, con los amigos de la Standard Oil Company, en 1932 quisimos evangelizar a Paraguay y Bolivia, los dos pueblos más pobres de América Latina. 

Hicimos prospecciones por supuestas riquezas petrolíferas. Nuevamente, no llegaron a comprender nuestro mensaje. Ellos se embarcaron en la «Guerra del Chaco» (1932-1935), la mayor y más sangrienta contienda librada en América en todo el siglo XX. Colaboramos haciendo lo que mejor sabemos. 

También le pasamos a los presidentes de los dos países algunos teléfonos de fábricas de armamentos en Europa. Lo hicimos para facilitar una solución rápida al conflicto. En aquellos años todavía no había e-mail y, además, los pobres granujas no tenían ni balas para matarse entre ellos. Consta en documentos de la época que, por razones éticas, no quisimos recomendarles ninguna empresa armamentística en especial.

Murieron alrededor de 55.000 bolivianos y 40.000 paraguayos. Recién el 27 de abril de 2009, 74 años después de finalizada la guerra, Evo Morales y Fernando Lugo firmaron en Buenos Aires un acuerdo definitivo de límites del Chaco Boreal, firmado en la Casa Rosada en un acto presidido por la presidenta argentina Cristina Fernández de Kirchner.
 Ilustreflexión & texto:  ©  Julián Chappa  

18.9.10

Pabellón 4 Arte Contemporáneo En Ch.ACO Chile Feria de arte contemporáneo en Santiago


zonana

Pabellón 4 Arte Contemporáneo continuando con su programa de difusión del arte Argentino en América y Europa estará presente en Feria Ch.ACO Satand B-7 Este año la segunda versión de Ch.ACO se realizará entre el 23 y 28 de septiembre en la Casas de Lo Matta (Av. Kennedy 9350).

Feria Ch.ACO se posiciona como el espacio de arte más connotado y esperado del año, no sólo por la exhibición de las galerías nacionales e internacionales unidas en un solo lugar, sino también por la presencia de destacados invitados que participarán en las actividades del auditorio de la Feria, desde el 24 al 28 de septiembre.Estas conversaciones abordarán temas como la fotografía contemporánea chilena y latinoamericana, el coleccionismo, la nueva gestión de museos nacionales e internacionales, las residencias artísticas, lanzamiento de libros, entre otros.Hoy destacamos la participación que tendrá Cecilia Brunson M. Historiadora del arte y curadora independiente. Licenciada en Historia del Arte y Master of Arts in Curatorial Studies por Bard College, Nueva York. Quien además de ser curadora del concurso, expondrá en la Conferencia Concurso "Entre Ch.ACO y Finlandia" programada para el día domingo 26 junto con otros interesantes expositores que pronto daremos a conocer.


Paula Otegui
Licenciada en artes visuales del Iuna, nace en Buenos Aires, Argentina en 1974
Es notable la solvencia estilística y técnica con la que Paula Otegui sostiene sus fascinantes escenarios; el expansivo equilibrio que los amalgama parece natural, sin acentos disonantes ni recursos desmesurados. Una cierta flora, una inverosímil geografía, una rara figuración han crecido en la tela con la misma sencillez opulenta con la que la naturaleza impone sus infinitas formas en el mundo real. El título mismo de la muestra anuncia la constatación física en el plano de un fluir ininterrumpido, orgánico, constante de la línea, del diseño, de los materiales y sustancias, de la gramática y la dinámica compositiva.
En esa corriente sobrenadan, se entrelazan y camuflan los factores iconográficos de una botánica más cercana a la invención del cuento maravilloso que a la nomenclatura científica, y de un paisaje que es añoranza paradisíaca y arbitraria germinación antes que resonancia referencial. Aquí y allá se entreven extraños personajes, gozosamente imbricados en estos jardines de las delicias dibujísticas a los que humecta una atmósfera de hipnótica irradiación. Al dejarnos impregnar por ella, percibimos que Otegui se conecta sensualmente, y nos propone una intimidad equivalente según el hedonismo del hacer y del mirar, con una secreta perversidad cómplice.
Casitas candorosas, arroyitos y pantanos salidos de la fiebre dulce que experimenta algún paseante encandilado mientras atraviesa su selvática utopía imaginaria, conviven con manchones y pinceladas perfectamente extemporáneas en su desmesura, para resignificar la entonación estructural de toda la composición. Cuando la óptica de la pieza se invierte el fondo es entonces negro, con los motivos recortados en un blanco lechoso y casi primordial, de una luminosidad ósea, como de plankton, generando renovada inquietud en una escena de por si tan fabulesca como espectral. A la vez el color, concentrado especialmente en esos círculos rítmicos y esferas lunares, también opera como factor de contrapunto y alteración cromática, perturbando productivamente la cualidad tonal del conjunto. Con un pie puesto en la tradición mas virtuosa del manga, y una cierta relación con el universo prerrafaelista y simbolista, mas una bien entendida y mejor resuelta decoratividad y ornamentación, la artista urde su invernadero anómalo, fértil en follajes de incierto origen, en nubes, babas, espectros, pelambres y ramajes, instalados en un movimiento perpetuo de crispación y remanso, de sinuosidad y estrictez, de grafismo desatado y precisión detallista, invariablemente alimentado por una sabia oscura y embriagadora.
Sus obras estan en colecciones Publicas y privadas en Argentina / Chile/ Mexico / Colombia / MIAMI / NY / Puerto Rico / Suiza / Londres / Los Angeles / Perú/ Brasil.

Manuel Archain
Nació en Buenos Aires en 1983. Inició sus estudios dibujando y pintando en el Atelier de su madre. Parte de la idea del choque, entre la realidad que nos da la fotografía con elementos que distorsionan la armonía de lo cotidiano. La obra de Manuel disfruta de lanzarnos de manera visceral hacia un camino de impactante recorrido visual.
Archain propone un juego de retratos asombrosos e invasivos; con él incomoda a la cotidianeidad estática, y moviliza al deseo del espectador de formar parte tanto de las imágenes como de las historias potenciales detrás de ellas.
El autor nos convida un mundo donde la gente cotidiana es heroica, los héroes caen en desgracia, y los hombres y mujeres son niños que siguen respondiendo a sus primeras acciones lúdicas, mientras el ojo imprime esas realidades e irrealidades, simplemente las extrae sin decoro, con indiferencia omnisciente. Como en las imágenes de Gregory Crewdson puede descubrirse a lo largo de estas obras la estrecha relación de Manuel con el cine y la publicidad, relación generada tras años de desarrollo como director de arte y fotografía, disciplinas de las que deviene su pericia técnica y que, combinada con su creatividad artística, logra la sensación de que cualquiera de sus capturas pueda ser el disparador de una historia de relato fantástico. Imágenes contadas por Edward Bloom (El gran pez), el comienzo de visiones de un tatuaje de Ray Bradbury, o una joven de un mundo paralelo de Bioy Casares; alguien que vuelve de buscar a su amor de niño en mundos acuáticos, un tiburón que viaja por las cañerías asegurando la supervivencia del más afortunado, una observadora de libertades que le achican las paredes, y el resto dependerá del espectador.
Sus obras estan en colecciones Publicas y privadas en Argentina / Colombia / Puerto Rico / MIAMI / NY / España / Suiza / Londres / Berlin.

Laura San Martín
Laura San Martín se postula como única protagonista en sus obras, es precisamente la que se oculta y se expone, fotógrafa y modelo.
Sus fotografías dan cuenta de una narración autorreferencial, en su busqueda plasma realidades en imágenes que la "revelan", una y otra vez, las imágenes que genera, se constituyen en únicas narradoras de lo inefable de su ser.
Egresada de Arquitectura y Urbanismo, de la Universidad de Buenos Aires.
Después de ejercer la profesión durante diez años, comenzó sus primeros estudios en la Escuela Argentina de Fotografía. Luego realizó varios talleres especializados bajo la dirección del fotógrafo Diego Ortiz Mugica y la fotógrafa y artista plástica Raquel Bigio.
En el 2007 y 2009 realiza exposiciones individual en la Galería Pabellón 4 Arte Contemporáneo y, fue representada dicha galería, en Buenos Aires Photo 2007, 2008 y 2009.
En el 2008 su obra fue seleccionada para participar en la muestra anual de fotografías en el salón Nacional de Artes Visuales, en el Palais de Glace. Recibió una mención en el Premio Estímulo Ayerza, organizado por la Academia Nacional de Bellas Artes, y con sus obras ha participó en el remate anual del Museo Sívori.

Claudio Roncoli
Nace el 19 de Marzo de 1971, Capital Federal, Buenos Aires, Argentina. Egresado (1995) de la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón. Buenos Aires.
En la pintura de Claudio Roncoli se conjugan dos importantes aspectos biográficos: su educación católica y los días de infancia en la juguetería de su padre. En sus últimas creaciones, el artista utiliza recursos como la publicidad, la historieta, el diseño gráfico con la técnica del collage, echa mano de recursos contemporáneos, sean tecnológicos --como la digitalización de imágenes-- o sean conceptuales --como la re-fotografía--. Cada obra puede leerse como el capítulo de una gran epopeya utópica. Roncoli mira las décadas pasadas (del 50 al 70) con cierta conmiseración y perdón. Reivindica un mundo utópico donde no existen conflictos de raza o género, santifica con ironía juvenil aquella sociedad que supo vivir en un nirvana capitalista y se pregunta cuál es el pecado de hacerlo así. En el despliegue pictórico de Claudio Roncoli subyacen preguntas como estas: ¿Es posible la felicidad ininterrumpida? ¿Quién podría vivir en un limbo de bienestar desconociendo la palabra angustia? Sus obras estan en colecciones Publicas y privadas en Argentina / Colombia / Puerto Rico / MIAMI / NY / Suiza / Londres / Perú / Chile / Mexico / Brasíl.

Alejandro Contreras Moiraghi
Nació en Tucumán, Argentina en 1973. Estudió en la Facultad de Artes de la Universidad Nacional de Tucumán, donde se recibió de Licenciado en Artes Plásticas. En el 2001 es becado por la Academia Nacional de Bellas Artes para estudiar en Buenos Aires con Ana Eckell. En el 2002 la Fundación Antorchas le otorga un Subsidio para la Creación Artista. En el 2006 EL FONDO NACIONAL DE LAS ARTES le concede una "Beca de Perfeccionamiento Artístico".
Las obras de Alejandro Contreras se subscriben Entre la figuración y la no figuración; entre la pintura y el dibujo y la fotografía; entre el objeto y el plano bidimensional; entre la instalación y la acción.
Alejandro Contreras Moiraghi se debate en estos "entre" en su producción artística; "entre", que -se advierte- son planteos que no se dejan decidir uno sobre el otro; o que, a la vez, son unos y otros.
Sus personajes, los "tipitos", son extrañas criaturas, pero adoptan en sus vidas una idéntica actitud que la del artista: vivir en el cuadro y fuera de él , instalarse en el espacio central o quedar colgados de la tela; en otras palabras, ubicarse entre una y otra realidad, o directamente en sus márgenes. Los "tipitos" relatan sus historias en sitios cotidianos: en un inodoro o en una zapatilla; en un automóvil o alrededor de la comida o de una vencida boleta de teléfono; hervidos en una pava, o intentando huir del bolsillo de un jean gastado. No los inquieta vestirse de colores o permanecer como seres en blanco y negro. Ríen y lloran: en sus rostros expresan dramas y comedias, pero el tono general - y vaya si el tono interesa- es el cinismo de los "tipitos".
El artista los hace peregrinar, les da movimiento como cumpliendo curiosos rituales, donde parecen desfilar y danzar.
Contreras Moiraghi también se debate en otros "entre": mientras sus pinturas tienen una fuerte ascendencia neoexpresionista, no oculta la influencia del comic y la concepción de algunos de sus trabajos como virtuales viñetas; cuando trabaja los objetos o las instalaciones, no obstante, se acerca más a un planteo neoconceptual.
Sus obras estan en colecciones Publicas y privadas en Argentina / Colombia / Puerto Rico / MIAMI / NY / Mexico / Berlin / Brasil / Chile/ Sudáfrica.

Javier BIlatz
Javier Bilatz nace en Buenos Aires en 1968. Sus obras avanzan en la línea de investigación que comenzó con imágenes abstractas dentro del campo del arte geométrico, en un porincipio impresas sobre papel fotográfico, avanzando en los últimos años al campo de las nuevas tecnologías, el video y la video instalación que opera en tiempo real, donde objeto y sujeto interactuan, a la instalación de muro compuestas por fragmentos de videos o imágenes fijas.
El artista toma como base los conceptos de: la imagen como (cantidad finita de) información; y la dualidad 'repetición / variación', junto a una importante dosis de azar dentro de rangos controlados, como generadores de esa información. Es la intención del artista con esta serie de obras llegar desde imagen o encuadre "inicial" (fotografía o video digital, de baja resolución, generalmente obtenidos con un teléfono celular), hasta un punto de máxima tensión con otro, "final", que opera como una de sus posibles abstracciones. Trabaja con procesos de edición digitales, buscando su potencial como generadores de imagen, excluyendo cualquier tipo de trazo o gesto, y buscando "tramas" que hagan emerger la abstracción implícita en cualquier visión cotidiana. El mayor vestigio de la imagen original queda en los títulos, generalmente una alusión bastante figurativa al punto de partida.
Sus obras estan en colecciones Publicas y privadas en Argentina / Mexico / Colombia / EEUU.

Más información: www.pabellon4.com

Atte Néstor Zonana Director y Curador
Pabellón 4 Arte Contemporáneo
Lunes a sábado 16 a 20 hs
tel: 005411 47728745 47792654
pabellon4@fibertel.com.ar
nestorzonana@gmail.com
www.pabellon4.com


17.9.10

MULTIMEDIA: Walking the talk





TWELVE JOURNALISM PROFESSORS
were welcomed in early June in El Paso where the temperature hit 110 degrees. “Summer started earlier for me,” I thought.

We all had been selected to participate in a multimedia training geared to journalism professors who teach in cities with a large Hispanic population. The chosen states? California, Florida, Texas and Illinois. Thanks to a grant provided by the Dow Jones fund, the Borderzine.com publication organized this training at the University of Texas, in the border town of El Paso. The goal of this experience was to learn and practice new storytelling skills though the use of current technology.

The participants had different journalistic experiences. Some were specialized in photography, writing, broadcast or radio, to name a few. Coming from the premise that a modern journalist needs to become a “know-it-all” (that’s what the current media organizations are looking for and recruiting,) academics need to go beyond their fields of specialization and learn about more ways to communicate.

We got to the Lone Star state on Sunday, June 6 and left on Saturday, June 12. We had five really intensive days of work ahead of us, and we were all ready for the challenge.

This is how the training went:

DAY 1. Class started at 8:30 a.m. This first day we received instruction in audio gathering, digital photography and Photoshop. With an hour for lunch, we continued this training until 6 p.m. We were organized in groups of three people each and were given a topic to base our projects on. My team, formed by the photojournalist John Freeman, multimedia professor Elizabeth Marsh and I, a visual journalist, got “The Mexican Revolution” topic. Each participant chose a platform: audio, video and photography.
We brainstormed ideas and decided on three approaches to the subject matter: John would work on a video presenting how El Pasoans were getting prepared to celebrate the occasion, Elizabeth would produce a radio clip on how much the locals knew about the Mexican Revolution and if so, what they were doing to celebrate it, and I, a photo and audio show on a poster exhibit at an art gallery in El Paso that presented work related to the Mexican Revolution.

That night we researched the centennial of the 1910 Mexican Revolution to prepare for the interviews.

DAY 2.
In the morning we discussed our assignment topic and the platforms we were going to use. I had photography. As this was the reporting day, we had three interviews lined up: the Consul General of Mexico at El Paso, the Cultural Attaché of the consulate, and the gallery curator of the exhibit. First, we visited the downtown area looking to interview people for the radio clip and to gather audio. We stopped at a flea market where we talked to locals. Later, at the consulate, we interviewed folks who were waiting to be helped by the consular officials.
Our first big interviewee was Roberto Rodríguez, Consul General of Mexico. That interview was conducted in English. Then, it was the Cultural Attachés turn, Enrique Cortázar, who preferred to be interviewed in Spanish. These are the opportunities when I really value to be bilingual. Then we went to the art gallery and interviewed the director Kate Bonasinga, in English. This exhibit had actually two shows: the first on old posters from Mexican artists that dealt with the Mexican Revolution and the second, posters of modern Mexican artists who created their posters inspired by social issues that incite change.

I had brought a digital recorder along with my camera so I was recording audio as well. Since the poster exhibit was my topic I used my time wisely, interviewing and photographing at the same time. I actually needed a third arm in order to multitask.

We went back to the classroom to download the materials to the computers.


DAY 3. We started with training in digital video-post production and Final Cut Pro, followed by audio production training. After lunch I started editing the audio I had gathered the day before by using Garage Band. There was a problem: some interviews were significantly different in volume level, so I spent a big chunk of time adjusting the sound levels to make it even. Then I wrote a script for a voice over to present the piece and for another portion where I added more information using it as a transition to unite two sequences. After a short rehearsal I recorded the voice over at a studio, split it in two parts and added it to the audio track. Then I finally exported it so it became one unit.
I left the classroom at 8 p.m.

DAY 4.
I worked on the photo editing. I chose 92 photos from the photo shoot and opened each one in Photoshop. I cropped and toned them appropriately so all of them would be sharp, even, well balanced and clear. That took several hours.
Then I imported to iMovie the audio track I had made the day before. At that moment I wasn’t feeling too confident to edit my piece in FinalCut Pro, instead of iMovie, since we only had three hours of instruction. We all were rushing against time.

I started placing the photos in iMovie and creating a sequence by aligning them to the sound track. This is the part where I synchronized image and audio. At this point I was putting the whole package together.

By that time it was 9:30 p.m. and we had to leave the lab.

DAY 5.
All the participants needed to have our projects ready at 3 p.m., so time was of the essence.
I worked on the timing given to each of the photos, adding the Ken Burns effect to offer more dynamism to the static photography (you have to be careful where you do it, otherwise it becomes too distracting) and also worked on the credits and lower-third information (to identify the subjects in the story.) Some photos needed more time on the screen, especially the ones that present written content (like the posters do,) so I had to be careful with that. One of my interviewees spoke in Spanish so that sequence needed subtitles in English. Be mindful of the font and type size you want to use.

This whole process gave me a real life experience of how involved and time-consuming can a multimedia production be. I always took into consideration the length of the piece. We were not supposed to go over 3 ½ minutes. My piece lasts 3 minutes and twenty-three minutes. You can see it here!

16.9.10

Exclusivo: Te presentamos TypeDonald´s (en Paraguay)

TYPEDONALDSx
(El logo y el concepto de TypeDonald´s es una creación de El Norbi Baruch)
Antes de las Séptimas Jornadas Universitarias sobre Diseño de la Información, del 10 de noviembre, en Buenos Aires, El Norbi se va a Paraguay. Invitado por la Universidad Católica de Asunción, él estará dando un taller sobre infografía de autor, donde tratará de demostrar que la erudición que tratan de cultivar los infógrafos para ser respetados por los periodistas, sólo les ha servido para tratar su baja autoestima, sin animarse a hacer periodismo visual de verdad y acercarse a la gente.
Como coincide el infógrafo español Samuel Granados, del diario Público, en su próxima columna. "Lo único que hace falta es un puntito más de alfabetización visual en el receptor. Puntito que al final no tendremos nunca, si como bien dices, colegas de allí y de aquí se resguardan en el facilismo y lo calentito que se está en las infos-para-fasci-culos en lugar de explotar fórmulas que permitan ver otra perspectiva de las cosas".
En el marco de Designio, Jornadas de Diseño UCA 2010, El Norbi estará junto a diseñadores de la talla del gurú alemán Gui Bonsiepe, para hablar de tipografías. El título de su charla, del día 7 de octubre, será "Comiendo Tipografías". Él hará un paralelismo entre los usos de la tipografía y la comida chatarra.
"Muchas veces, los diseñadores no saben entender lo que quieren decir las tipografías, ni para que sirven, y terminan haciendo un Big Mac, mezclando aros de cebolla sin serif en medio de un relato más serio que necesita otro tipo de font". Si querés dejar de tragar tipografía chatarra, no vayas a TypeDonald´s.(El logo de TypeDonald´s fue creado por El Norbi)

Un poquito de Historia, con mayúscula.

CIPRES
Quería empezar este post hablando de las letras mayúsculas, o como en mi profesión se les llama, de caja alta. ¿Por qué este nombre? Evidentemente no voy a explicar el porqué, tanto sólo debe uno pensar un poco y vislumbrará la solución rápidamente (y sino pues lo miras en la Wiki). ¿Por qué hablar de las mayúsculas? Porque son el comienzo de todo.

Imagen: Samuel Ciprés
Texto: María Casado


Empecemos con un poco de Historia…
La escritura (y con ella la tipografía) na­ció como herramienta comunicativa. Con el lenguaje tenemos la posibilidad de almacenar todos los conocimientos adquiridos a través de la historia, es la gran ventaja evolutiva con la que con­tamos los seres humanos. Cierto es que pocos son los que reparan en cómo mejorar esta herra­mienta. Tan sólo unos centenares de frikis han pasado la vida investigando en este maravilloso mundo.

Comencemos por el principio, tras los ideogramas antiguos y gracias a culturas como la etrusca (cita 1: “los romanos, ¡una mierda al lado de los etruscos!”) se crearon las letras alfabéticas, la diferencia es que no tenían un concepto asociado al carácter sino que éste era totalmente abstracto. El ca­rácter abstracto, adquiere significado cuando es utilizado junto a otros for­mando palabras, las cuales sí tienen un significado. La letra ‘A’ no significa nada por sí misma, en cambio el sím­bolo del ‘Águila’, como ideograma, po­see significado por sí sólo. Por tanto fueron los griegos y los etruscos, entre otros, los creadores del alfabeto que la civilización Romana utilizaría a lo lar­go de su Imperio.

Nuestro alfabeto es descendiente de la Romana Capital que también era llamada ‘lapidaria’ o ‘trajana’ por ser utilizada directamente sobre piedra (cita2: conocida como ‘mayúscula’ entre los mortales).
Hagamos un inciso. Las mayús­culas… Ellas son tan grandes, tan só­lidas, tan vulnerables al pequeño em­presario. Siempre amadas por los altos directivos y despreciadas por los ávi­dos lectores. Tan maltratadas han sido que incluso a veces se acentúan mal. Sí, se acentúan siempre. Aquello de: “No hace falta, es una mayúscula, no tiene porqué llevar tilde” no tiene sen­tido ni sensibilidad. La causa de esta leyenda fue un fallo técnico en el di­seño de las primeras máquinas de im­presión. No contaron con ese espacio así que se omitían las tildes sin remor­dimientos. Total… en inglés, ¿quién acentúa una palabra? La cuestión es que todavía perdura el mito. Existe un colectivo que se dedica a ‘denun­ciar’ la falta de tildes en los anuncios publicitarios, los podéis conocer en: acentosperdidos.blogspot.com

Una vez leí: “cita3: El diseño de la tipo­grafía es a la escritura, lo que el tono de voz es a la palabra hablada”. Lo que me lleva a pensar que si empezamos por las mayúsculas debió de ser porque en aquellos tiempos la gente al utilizar­las no hacían más que agredirse. Poco a poco la letra mayúscula ha pasado a un segundo plano y hoy en día la gente ‘civilizada’ utiliza la minúscula en su escritura habitual. La caja alta se utiliza para resaltar o dar uniformidad a un bloque de texto. Si los nombres propios se escriben con mayúscula será porque se requiere una atención especial para ellos, ¿Quién escribe su nombre sin mayúscula inicial?


La caja con sus cajetines bibliofilia.com


Volviendo a la historia que os contaba. La aportación romana en este sentido es el orden estricto y la uni­formidad de la escritura. Como todo imperio, el romano también cayó, y la escritura sufrió grandes cambios y multiplicó su diversidad debido a la inestabilidad política y cultural.
Fue así, el modo en que un poqui­to más tarde, llegaron las minúsculas ‘Carolingias’ como fruto de la difusión de textos para las clases sociales bajas pero alfabetizadas, que podían escribir a mano.
Un tiempo después, en la Edad Media (cita4: ¡Sólo nos queda la mitad!) se comenzó a multiplicar la existencia de información escrita a mano con la ‘mi­núscula gótica’, la que utilizaban los monjes, como resultado de la evolu­ción de la ‘Carolingia’.

Pasado el trance de la historia an­tigua y dando un salto en el tiempo, no hace demasiado, el señor Gutem­berg difundió una máquina que per­mitía generar grandes cantidades de información sobre papel. Esto permi­tió realizar copias de la información al más puro estilo taylorista y desembocó en la creación de la no pequeña indus­tria editorial. Como colofón, hace unos diez minutos nació ‘La Pantalla Digi­tal’, habrá que darle un tiempo para que crezca y pase la edad del pavo.


Portada de la primera edición de “El rey Lear, impresor” de Vicente Blasco Ibañez. 
1926 (bibliofilia.com)

La evolución del arte de la tipografía como herramienta ha sido clara y se encuentra actualmente en simbio­sis con los diferentes tipos de leguajes y la sociedad. Un tipo móvil de im­prenta de 1883 no puede utilizarse hoy día porque las rotativas o una impre­sora Epson no funcionan con esa tec­nología; igualmente, alguien que hable castellano antiguo no sería entendido en el ‘Buenafuente’, bueno de esto últi­mo no estoy muy seguro… Con esta divagación lo que quiero es desembocar en una idea principal… El formato, el mensaje y la tipografía, van de la mano por ese camino cono­cido como ‘Comunicación humana’. Hoy, ayer y mañana… no sólo van de la mano, sino que se acuestan juntos por la noche y dan alegres un salto de la cama por la mañana…

Todos sabemos lo importante que es el mensaje a transmitir; si este no es bueno, directo, sencillo, no llegará a su destino correctamente. Lo que tal vez no pensemos demasiado es cómo transmitir bien ese mensaje. Reparar en que una ‘Arial’ y una ‘Helvética’ son prácticamente iguales es difícil, sobre todo si no te interesa, pero tienen dife­rencias importantes. En todo esto hay un gran agujero negro que absorbe toda la luz y no deja que los mensajes lleguen con claridad a su receptor. Ese agujero es el que reside en la oscuridad para la mayoría de las personas que aún no han remitido en su importan­cia, la elección tipográfica. Las tipo­grafías expresan. Esta afirmación vive latente y de manera paralela en el in­terior del significado del texto. De esto hablaremos en otra ocasión…

1. El milagro de P.Tinto.
2. Ver Columna Trajan de Roma, por ejemplo.
3. http://letritas.blogspot.com/2008/09/sensibili­dad-tipogrfica.html
4. Chiste malo, lo sé.

13.9.10

«Consumo cuidado»

CHAPPA



Si llenamos el carrito de cosas superfluas que se consumen, se vaciará una y mil veces. Si lo llenamos de valores, incluso aunque vuelque un millón de veces en los naufragios de la vida, quedará con unos cuantos valores adentro. 

Esos valores no cuestan dinero. Sin embargo, si no se tienen se pagan muy caros cuando la cuestarriba del capitalismo salvaje deja sin techo a millones de seres humanos que mañana podemos ser vos o yo. 

Por eso las ruedas de muchos carritos del súper están trabadas, es un aviso para que no vayamos tan rápido por la autopista del consumo. Vayamos consumo cuidado, porque además esos carritos son fabricados expresamente sin frenos.

11.9.10

Aprendizajes en La vuelta del vino (1)

DELLAVALLE
No hace mucho tiempo (cuando preparabamos su presentación estelar en la Universidad que tenemos en Pergamino, que titulé Clase magistral: Diseño de alta clase) nos carteabamos bastante seguido con El Norbi. En una de las misivas, le dije que cuando estuviera por aquí, iba a tener que hacer un esfuerzo y acompañarme a mi diaria y obligatoria Vuelta del vino, sea apenas pasado el mediodía o a la hora del crepúsculo.
Primero, mi sana costumbre, le dió risa. Luego, cuando le conté historias con pormenores, aceptó (y le gustó) la propuesta, sin pensar siquiera que yo podría estar en la frontera entre un simpático borrachín y un alcóholico o era uno más de los que saben usar esta costumbre de la copa como pretexto de una salida corta y de aprendizaje.

Todos los dias, todos, hago el recorrido. No tengo lugares fijos. Son varios los huecos donde tengo barras donde acodarme: nunca me siento en mesas; siempre, derecho al mostrador. Parece mas íntimo, incómodo algunas veces, pero mas cercano a las entrañas de ese bar, ese club o ese bolichón de barrio. Aparte, desde la barra se puede dialogar con todas las mesas, que ese es el objetivo. Mejor dicho, es mas fácil entrometerse en la charla de todas las mesas y tener a mano dos o cinco o diez temas a la vez. Es un arte. Requiere saber de todo un poco y estar preparado para esa gimnasia, mucho mas si uno la hace, por lo menos, dos veces al día. Se puede pasar desde la clase de cómo se arma un acumulador para autos (dictada por ese amigo que arma las comunmente denominadas baterías) a otra sobre cómo se prepara una bondiola gustosa, como la que ahora estamos saboreando sobre una desdentada tabla, acompañándola por rebanadas de pan oreado y algunos cachitos de queso duro.

Todo vale en la vuelta del vino, pero, además de aprender todas las variables que se ofrecen en este muestrario tan grande de ideologias, vicisitudes, oficios, trampas y otras yerbas, es muy importante el ejercicio de meter bocadillos que saquen de su terreno a los contertulios.

Una vez, había un viejito que leía y releía uno de esos diarios sensacionalistas que andan por ahí ganando adeptos al publicar, en su contratapa, una minita semidesnuda…

Esa es mala lectura, amigo, le dije al pasar. Me miró fijo, como buscando roña. Ah, claro, como vos sos periodista debes leer, solamente, a Borges, ese viejo de mierda que no entiende nadie…
Que? Usted leyó algo de Borges?, le pregunté, para que no siga con su perorata. No, nunca leí nada, pero nadie lo entiende y, encima, piensa en ingles!. Si nunca leyó nada no hable, dije fuerte para que alguno se enganchara. Y se engancharon varios.

Que? Vos lees eso?, me preguntó un flaco alto, desgarbado, casi con respeto. Yo escuché por televisión que estaban criticando a Borges…
Por television? Sos otro de los que tienen televisor y no neuronas en funcionamiento? Puede ser que se critique a alguien, pero a Borges muchos lo critican por envidia o porque no saben qué y cómo escribe!, le dije.

Y cuando la charla se puso mas espesa, terminé la copa y me fuí.
Al mediodía siguiente, hoja impresa y un rollito de cinta adhesiva en mano, llegué al mismo bar. Cuando se descuidaron, pegué la hoja en la pared donde pegan todos los carteles que anuncian domas o peñas folclóricas o comidas o carreras de galgos.
Esperé a que llegara el viejito de anoche. Antes que pida su Cinzano, lo invite a leer.

EL TÍTERE

A un compadrito le canto
Que era el patrón y el ornato
De las casas menos santas
Del barrio de Triunvirato.

Atildado en el vestir,
Medio mandón en el trato;
Negro el chambergo y la ropa,
Negro el charol del zapato.

Como luz para el manejo
Le firmaba un garabato
En la cara al más garifo,
De un solo brinco, a lo gato.

Bailarín y jugador,
No sé si chino o mulato,
Lo mimaba el conventillo,
Que hoy se llama inquilinato.

A las pardas zaguaneras
No les resultaba ingrato
El amor de ese valiente,
Que les dio tan buenos ratos.

El hombre, según se sabe,
Tiene firmado un contrato
Con la muerte. En cada esquina
Lo anda acechando el mal rato.

Un balazo lo tumbó
En Thames y Triunvirato;
Se mudó a un barrio vecino,
El de la Quinta del Ñato.

La leyó despacio. En sus setenta y pico de años nunca viajó a Buenos Aires (se había criado en un campo a 30 kilómetros de Pergamino) pero, de nombre, conocía algunas calles.
Cuando terminó me miró, otras vez fijo: Para que me hizo leer esto? Esto es bueno, es de hombres de pelea, de guapos… Esto me gusta, habla como hablamos nosotros…

Esto es de Borges, viejo, le dije seguro.
Y lo mire fijo, justo cuando estaba encarando un trago. Cuando pueda –dijo como disculpándose- traigase otro de estos versos… Pidiéndole permiso al conserje, a los dos días tapicé media pared con varias milongas del escritor que admiro, aunque (y vale la confesión) algunas veces no lo entiendo.

Terminologías explicadas.
Borrachín: manera simpática de referirse a alguien que bebe (no demasiado, tampco poco…)
Barra: mostrador de bar. Se le dice así porque, antiguamente, bajo el frente de un mostrador, existía una barra (generalmente de bronce) para que los usuarios apoyaran un píe, en posición de descanso.
Roña: suciedad (o mugre) que en el lunfardo es sinónimo de pelea o riña.
Bolichón: manera de mencionar a un bar de barrio que no cuida la estética ni la limpieza y, algunas veces, ni el decoro.
Oreado: pan del día anterior (o varios…).
Minita: diminutivo del lunfardo mina, sinónimo de mujer.
Doma: en realidad, debería decir jineteada, acto en que la gente de campo, divirtiéndose (o dando espectáculo) monta un caballo que no fue domado. Domar es acostumbrar al animal a responder a los mandos de una persona.

10.9.10

Paso a paso, el esqueleto del marcianito de Toy Story

Imagen 52
Te contamos recien que el norteamericano Jason Ralph Freeny había alejado de los animales fantásticos para meterse con un extraterrestre. Primero fue un perrito hecho con globos, Balloon Dog, con su línea de tiempo. Después su Anatomie Gummi Bär, con su poderoso sistema nervioso que no es otra cosa que un osito realizado con esa goma masticable.

Luego de hacer a un hombrecito de Lego, con su línea de tiempo totalmente visual en la parte inferior como como su Balloon Dog, se metió con Kitty.


El artista nos contó, en su momento, que buscó documentación médica sobre la anatomía femenina para no equivocarse a la hora de utilizar recursos cercanos a la infografía. No olvidemos que los anteriores, a pesar de de ser fantásticos e inexistentes (un osito masticable, un perro hecho con globos y un muñeco de Lego), no debían perder sus características de típicas de género. Pero ahora no se mete ni con un animal macho ni con una gatita, sino con un marciano.

Nuevamente, Jason Ralph Freeny nos cuenta desde su iPhone, mientras camina por Silver Spring Maryland. Cuando le preguntamos cómo imaginó que sería la estructura osea de un extraterrestre. "He would make a good skeleton having a human head and the body of a fish".

Campanas de Buenos Aires

RECOMIENDA

8.9.10

Los viajes de Gulliver

FUERTES

Otoño

Sonrisa

El lago

Nace «www.ediciona.com.ar»


CHAPPA

El pasado 6 de abril publicábamos en Chill-Art un post en el que anunciábamos la intención de Ediciona (red social para profesionales y empresas del sector editorial), de crear un dominio específico para Argentina, que nos permitiese contar con un espacio para que todos los que trabajamos en éste medio podamos interactuar, mostrar nuestro portfolio de trabajo, buscar y ofrecer trabajo, utilizar herramientas y un largo etcétera de servicios y recursos gratuitos.

Cinco meses más tarde, vemos cumplido ese objetivo: ya se encuentra operativa www.ediciona.com.ar. Al día de hoy, ya somos casi 2.500 los profesionales argentinos dados de alta en la comunidad de Ediciona, cuya web madre y fundacional cuenta con casi 12.000 inscriptos en todo el mundo.

En lo personal, estoy muy feliz por la puesta en marcha de «nuestra» Ediciona Argentina, que permitirá vehicular y mostrar al mundo el enorme talento de nuestros profesionales. Felicito al grupo humano que hizo posible éste objetivo inicial, que estoy convencido redundará en beneficio de todos los que formamos parte de la industria editorial vernácula.


Exclusivo: Laura Varsky en las Séptimas Jornadas Universitarias sobre Diseño de la Información

Imagen 10
Imagen 17 Te la presentamos en junio. El tipógrafo argentino Ale Paul (uno de nuestros exponentes en Quintas Jornadas Universitarias sobre Diseño de Información) nos advirtió, con cierta seriedad poco conocida en él. "Nunca antes hemos visto la ilustración tan vinculada a la tipografía". Es que la ilustradora argentina Laura Varsky había creado, junto con Paul, la tipografía Lady René.
"Dibujos y letras se unían y potenciaban en mis ilustraciones. Lo dicho y lo no dicho. La certeza de lo transmitido y la invitación a la libre interpretación. Así es como llega al día de hoy mi primera fuente tipográfica, Lady René", agrega Varsky.
Esta concepción creativa que mezcla la ilustración con la tipografía nos llevó a invitar a Varsky a nuestras jornadas del 10 de noviembre. Un adelanto de su tipografía, en este reportaje exclusivo que le hicimos en. junio
laura varsky
1) Cómo das el salto de la ilustración a la tipografía?
En mi caso creo que todo empezó de modo inverso. Primero fue la tipografía y luego la ilustración.
No solamente por el hecho de ser diseñadora gráfica sino porque he dado clases en la Universidad de Buenos Aires durante más de 10 años en la materia Tipografía. Fue (y sigue siendo) un eje fundamental en mi trabajo.
Es por eso que a la hora de empezar a ilustrar el dibujo de letras apareció casi instintivamente.
Una profesora mía decía que uno suele dibujar a sus personajes parecidos a sí mismo porque el mirarse frente al espejo todos los días deja una marca visual en tu memoria imborrable. Siendo así, tantas horas y horas observando tipografías hizo que lo primero que apareciera a través del lápiz fueran letras.
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2) Cómo definirías vos a la tipografía Lady René?
Trabajamos en crear una fuente que conservara la sensibilidad, calidez y espontaneidad del dibujo a mano y que, al mismo tiempo, permitiera generar textos orgánicos de un modo sencillo a través de las posibilidades del formato OpenType.
Desde mi propia experiencia utilizándola diría que lo logramos bastante bien. ϑ

3) Cómo nace la tipografía?

Yo venía trabajando bastante realizando ilustraciones con lettering. Ale Paul (a quien considero de los mejores diseñadores de tipos de hoy) sugirió que podíamos desarrollar una fuente tipográfica basada en las morfologías que estaba creando para mis dibujos. Me pareció un bello desafío.
Imagen 17
4) El tipógrafo piensa en la posterior aplicación, vos en qué aplicación pensaste para la tipografía?
En lo primero que pensé es en aquello que me gusta “escribir” a mí (no me refiero literalmente a escribir sino a dibujar tipográficamente). Cuentos, poemas, canciones. Porque proponen un ritmo particular y porque buscan transmitir emociones. Es por eso que elegí una canción clásica para niños norteamericana llamada “The cat came back” para realizar el catálogo o espécimen de la fuente. De hecho, en un principio iba a usar “Alicia en el país de las maravillas” pero justo vino el boom de la película y decidí ir por otro camino. Pero la historia transmite esa idea de fantasía y desprejuicio absoluto que me parece tan divertida y afín a Lady René.
El objetivo fundamental, independientemente de su aplicación es que el usuario sienta a la hora de componer un texto la misma libertad que siento al momento de dibujar mis letras. Que tenga un abanico de posibilidades lo más amplio posible. Que el tipear se transforme en un hecho creativo. Que estén dadas las herramientas necesarias para otorgarle al texto escrito digitalmente un espíritu y un ritmo orgánico, humano e imperfecto.
Imagen 12
5) En ciertos cds que vos diseñaste uno podía encontrar cierta búsqueda tipográfica. Qué lugar tiene la tipografía en el diseño?
Fundamental. Sin dudas, una de las cosas que distingue a un buen diseñador es el uso que hace de la tipografía. Porque en definitiva es el único elemento, o herramienta, que es casi exclusiva del diseño. De algún modo nos pertenece. Considero que el “cómo se dice” es una de las mayores responsabilidades de todo diseñador gráfico. Y debemos ser muy conscientes de nuestras decisiones en este sentido.
Imagen 16
6) Por qué se llama Lady René?
Hay un motivo que es bastante personal y que me da un poco de vergüenza decirlo.
Pero el origen es lúdico.., pensando en el personaje de un cuento que cobra vida desde las páginas de un libro en las mentes de sus lectores. En este caso, Lady René, es ese personaje.., reviviendo en el hacer de los diseñadores y las mentes de quienes la leen.
Imagen 14

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